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O saxofonista James Brandon Lewis recentemente lançou um engenhoso álbum duplo inspirado na grande Mahalia Jackson, emblemática cantora que elevou o gospel à condição de arte popular massivamente apreciada. Lembremos também que, em 2022, a cineasta americana Denise Dowse estreou um filme biográfico chamado Remember Me: The Mahalia Jackson, disponível no Prime Video, streaming da Amazon. Numa época como a nossa, tão escassa de propósitos, de referências, de heróis e pessoas influentes que possam guiar as novas gerações para um novo porvir, para um novo despertar, para novos caminhos de humanidade e esperança, esses documentários, séries e filmes biográficos tendem a estar em alta: resta-nos voltarmos, enfim, para os heróis dos nossos antepassados e para as influentes figuras que mudaram o curso da história lá atrás nas décadas gestativas do século XX, décadas que gestaram revoluções e evoluções socioculturais importantíssimas para o desenvolvimento das democracias modernas. Essas revisitações cinematográficas, ainda que embebecidas de romantizações e cenas ficciosas, tendem a ser importantes para nos conectarmos com esses exemplos de superação e referências. E Mahalia Jackson foi um ícone dessa estirpe, foi uma dessas referências. Considerada uma das vozes mais belas, impactantes e influentes do século XX, Mahalia Jackson começou a carreira ainda criança cantando gospel, canções espirituais e hinos no coral da Igreja Batista Monte Moriá, em New Orleans, sendo logo influenciada pelas vozes de cantoras de blues tais como Bessie Smith, Mamie Smith e Ma Rainey, as quais ela começou a ter acesso através dos discos que ela podia ouvir na vitrola dos tios que a acolheram quando sua mãe adoeceu e faleceu. É com esses seus tios, principalmente com a tia, que ela desenvolveria uma relação conflituosa, passando também pelo conflito entre ser uma jovem fervorosa em sua fé e, ao mesmo tempo, se interessar pelos teatros de vaudeville e pelos discos e apresentações de artistas de blues, gêneros artísticos considerados malditos pelos membros mais fervorosos da sua congregação. No final da década de 1920, Mahalia Jackson se muda para Chicago para viver com uma outra tia, logo se destacando nos corais das igrejas da cidade, sendo posteriormente convidada para integrar o Johnson Singers, grupo gospel que já se tornava célebre no circuito de igrejas e corais de Chicago, chegando a competir até mesmo com outros corais das igrejas do Norte dos EUA. Chicago passava por uma verdadeira onda de valorização e inovação do blues e o gospel também começa a adentrar esse circuito. Tendo sua bela voz cada vez mais reconhecida como um diamante, um talento raro, Mahalia Jackson logo conhece seu principal mentor, o músico, compositor e evangelista Thomas A. Dorsey, um ícone já responsável por estilizar o encontro do gospel e dos cânticos espirituais cantados nas igrejas com o blues que já se despontava como um gênero altamente comercial.
Duke Ellington convida Mahalia Jackson em Black, Brown and Beige: o gospel como ingrediente de uma obra-prima
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| ABYSSINIAN BAPTIST CHURCH, HARLEM |
Sendo mentorada por Thomas A. Dorsey e influenciada pelas já afamadas cantoras de blues, Mahalia Jackson desenvolverá, então, um potente estilo denominado "blues gospel", não tardando em ser convidada para gravar seus primeiros compactos em estúdios de gravadoras como Decca e Apollo Records. O sucesso repentino de Mahalia nos anos de 1930 desencadeou um movimento crescente rumo à valorização do gospel e sua identificação com a comunidade afro-americana foi ampla e imediata, façanha que a faria ser uma das primeiras artistas afro-americanas —— a primeira do gospel —— a ultrapassar a marca dos vários milhões de álbuns vendidos. Nas próximas décadas, além do circuito da música gospel, Mahalia Jackson seria convidada a integrar o crescente Movimento de Luta Pelos Direitos Civis: em 1956, ela conhece os pastores Ralph Abernathy e Martin Luther King Jr., ambos ativistas e ministros batistas da Geórgia, e logo é convidada a abrir muitos dos comícios, encontros e celebrações dos importantes membros desse movimento. É também nos anos de 1950 que o grande pianista e bandleader Duke Ellington a convida para a nova gravação da sua clássica suíte Black, Brown and Beige: originalmente composta entre fins dos anos de 1930 e início dos anos 40, a obra expressara a inédita e ousada intenção de Ellington em elevar a música negra e o espírito afro-americano aos mesmos patamares de liberdade e sofisticação conquistados pela música dos brancos e pela música clássica europeia, e agora a suíte seria resgatada pelo compositor para justamente incorporar de forma mais veemente esse fervor gospel tão reconhecidamente valorizado enquanto expressão artística do afro-americano. Para tanto, Ellington daria uma reformulada na suíte em relação à sua extensa forma inicial de 1943 —— que, a propósito, nunca foi bem aceita aos ouvidos dos críticos, na época viciados pelas canções adocicadas dos crooners e pela dança do swing jazz —— e agregaria à ela uma nova peça chamada "Come Sunday", peça essa que logo se tornou um standard popular através da bela voz de Mahalia Jackson. Essa associação de Mahalia Jackson com Duke Ellington pode ser considerada, aliás, o primeiro caso mais emblemático onde o cântico gospel é inserido dentro de uma composição instrumental de extensiva e mui aprimorada escrita jazzística. Desde então, a influência do gospel foi importante na composição estética da soul music, influenciou no nascimento de novos estilos de jazz tais como o hard bop, o jazz-funk e o spiritual jazz, e segue sendo uma expressão cultural e artística muito influente para a música americana como um todo. Do jazz à pop music, o uso de elementos do gospel é vernacular: seja explícitos pelas potentes e belas vozes dos cantores afro-americanos, seja nos backing vocals remanescentes do doo-wop, há resquícios gospel em vários estilos de música! Quer dizer: o gospel, em suas primeiras formas de spiritual songs, sempre foi um ingrediente basilar para o surgimento do blues e do jazz, mas seria através de Mahalia Jackson e seus pares que o gospel se desenvolveria para alcançar formas mais modernas e elaboradas de expressão artística, se transformando num gênero independentemente comercial e influenciando, de volta, no desenvolvimento das novas formas de jazz e, particularmente, no desenvolvimento da soul music e doutros gêneros do R&B.
O gospel como fonte criativa para Donald Byrd, Albert Ayler & Andrew Hill: corais de vozes, jazz-funk e spiritual jazz
Para além dos casos do uso de elementos melódico-rítmico-harmônicos do gospel na composição estilística do hard bop a surgir nos anos de 1950, com o pianista Horace Silver sendo o principal expoente a levar o jazz moderno para essa direção —— fase que já abordamos aqui no blog, mais especificamente 👉neste link ——, estes álbuns acima são exemplos altamente criativos de como elementos estilísticos dessa música de igreja foram usados dentro do jazz moderno dos anos de 1960, fase onde a música, em geral, já caminhava para as quebras de fronteiras e as progressividades das fusões estilísticas. No álbum I'm Tryin' to Get Home (Blue Note, 1964), o trompetista Donald Byrd, um pioneiro do hard bop e precursor do jazz-funk, irá amalgamar elementos de um coral de vozes gospel, uma banda de metais no melhor estilo americano de brass band e uma espetacular banda de hard bop formada por figuras como o então jovem pianista Herbie Hancock, o organista Freddie Roach, o sax-tenorista Stanley Turrentine, o contrabaixista Bob Cranshaw e o baterista Grady Tate, com a participação adjunta do arranjador Duke Pearson e do maestro e compositor Coleridge Perkinson (aqui na função de diretor musical) —— a música de Byrd dessa época, aliás, já caminhava para os rompantes iniciais do jazz-funk e este álbum, embora não seja tão valorado pela crítica especializada, será um pontapé inicial. Já o sax-tenorista de free jazz Albert Ayler mostrará todo seu estilo primitivista de abordar elementos do gospel, agora sob a forma mais cristalizada da soul music, em seu fantástico álbum New Grass (Impulse, 1968): trata-se, aliás, de um álbum lançado fora da curva, pois além de mostrar Ayler se aventurando com sua voz em cânticos e em distintos assobios e falsetes vocais, também mostra o sax-tenorista em sua mais palatável e comercial incursão, inclusive contando com a participação de figuras seminais da soul music e do jazz-funk tais como a cantora Rose Marie McCoy e o grande baterista Bernard "Pretty" Purdie. Em seguida temos acima o álbum Lift Every Voice (Blue Note, 1970) do distinto pianista Andrew Hill: como em quase tudo o que Hill criou, neste álbum os elementos do gospel soam menos salientes e mais abstratos, sendo inflexionados em formas e entrelaces nada convencionais através da amálgama de uma super banda de jazz com um compacto coro de seis vozes acappela, atingindo uma diluição impressionista que é ao mesmo tempo intrigante e singular! Sendo um álbum majoritariamente autoral, a oralidade e as temáticas espirituais também estão mais implícitas e subjetivas dentro dos títulos das peças, tendo apenas uma versão do emblemático hino "Lift Every Voice", composto pelos irmãos James Weldon Johnson (1871–1938) e J. Rosamond Johnson (1873–1954), como a única releitura dentre as peças originais. Lift Every Voice é altamente criativo e singular!
In this House, On this Morning & The Abyssinian Mass, de Wynton Marsalis: a liturgia gospel em peças hiper elaboradas
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Nos anos 90 será Wynton Marsalis quem comporá uma hiper criativa suíte baseada no gospel. A In This House, On This Morning é uma suíte lançada em álbum em 1993, onde Wynton mostra todo seu estilo perspicaz e detalhista em explorar e amalgamar os inúmeros elementos da tradição americana, tendo como plano de fundo o gospel e a liturgia congregacional. Pode-se dizer que poucos compositores da história do jazz —— talvez só mesmo Duke Ellington e Charles Mingus —— chegaram ao nível de perspicácia e detalhamento —— com expertise de explorar uma grande quantidade de detalhes, adereços e temáticas da tradição americana —— tal como foi alcançado por Wynton Marsalis em suas suítes e peças extensas à partir de então. Em seus arranjos, Wynton preza sempre por usar pandeiros, palmas, vozes, efeitos de surdina e sombreamentos harmônicos bem peculiares, além de ressignificar e remodular abundantes elementos dos ritmos de New Orleans, do ragtime, do dixieland, do blues e do gospel, ressignificando-os em singulares sincopações e grooves inusitados, com muitas das partes sendo inflexionadas por mudanças de ritmos e andamentos em compassos ímpares e métricas poucos usuais (5/4, 6/4, 7/4, 6/8, 9/8 e etc), sempre com um suingante uso de síncopes e contrapontos rebuscados que podem ser caracterizados tanto por composição escrita como também por sobrepostas improvisações simultâneas entre os membros do seu Septeto. Com tantos recursos, a improvisação passa a ser apenas mais uma das muitas ferramentas composicionais usadas por Wynton para alcançar unidade e coesão dentro dessas suas peças extensas: o papel do improviso seria, então, totalmente remodulado pelo compositor; os improvisos seriam apenas "pontes" e "conexões" entre os arranjos e as partes escritas, de forma que magistralmente ele consegue fazer com que os improvisos soem como partes previamente compostas, praticamente não deixando arestas entre o que é escrito e o que é improvisado. Peça gravada em álbum duplo, a In this House, On this Morning (1994) será, então, o exemplo maior de coesão com toda essa miríade de recursos. O elemento principal dessa suíte é a cultura congregacional e a liturgia do gospel: as temáticas espirituais, a música de igreja e a harmonia dos hinos clássicos, a poética desta forma de vida e a cultura em torno do culto dominical. Através destas inspirações, o compositor criou uma engenhosa peça que narra toda uma história de um domingo na igreja: a começar pelo início do culto, passando pela poética dos cânticos e hinos, passando pela oração, pela manifestação virtuosa do Espírito Santo... até o término do santo serviço e a confraternização das pessoas depois disso. Wynton ainda conta com a bela voz da cantora Marion Williams, que enfatizará as partes dos cânticos. Apesar do uso de elementos tradicionais, a obra é assustadoramente moderna e contemporânea na forma como Wynton une as harmonias dos acordes de gospel com as dissonâncias modais dos modernos acordes de jazz, temperando essa amálgama com suas próprias concepções de timbres, dissonâncias e bitonalidades monkianas, e criando arranjos com hiper criativas sobreposições e combinações de timbres entre os músicos do seu Septeto, tudo feito com poética e coloridos impressionantes! Em 2008, Wynton novamente exploraria o gospel numa outra peça que lhe será encomendada para comemorar o 200º aniversário da tradicionalíssima Abyssinian Baptist Church, igreja localizada no histórico bairro do Harlem: a composição junta sua big band Jazz at Lincoln Center Orchestra com o coral de 70 integrantes Chorale Le Chateau e com o organista Damien Sneed para enfatizar esse diálogo entre a instrumentação e orquestração do jazz e essa profunda tradição dos corais gospel. A peça foi repercutida em uma grande turnê que passou por 16 cidades e concretizou 19 concertos em todo o Sul dos EUA. Aleluia!!!
Don Byron aborda Thomas Dorsey, Sister Rosetta Tharpe e etc. The Gospel According To Matthew Shipp & Michael Bisio
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Entre a segunda década dos anos 90 e a primeira década dos anos 2000, o célebre clarinetista Don Byron ressignificou vários adereços culturais americanos dentro da sua abordagem ampla e pós-moderna de jazz: inspirou-se em Louis Armstrong, aplicou releituras sobre os temas de swing jazz do repertório de Duke Ellington, repaginou os temas humorísticos de Raymond Scott que foram usados por Carl Stalling em suas trilhas de desenhos animados, resgatou sob uma nova ótica as canções judaicas do klezmer de Mickey Katz, passou por releituras de lieder e árias clássicas, explorou temas do jazz-funk ligados à blaxploitation setentista, entre outras incursões. Em 2012, seria o gospel o próximo gênero tradicional a ser estudado e explorado por Byron, que forma seu New Gospel Quintet para esta empreitada: vide seu ótimo Love, Peace and Soul (Savoy Jazz). Para tanto, Byron se inspira majoritariamente nas canções e espirituais de Thomas A. Dorsey, mentor de Mahalia Jackson e um dos pioneiros da ascensão do blues e do gospel nas décadas de 20 e 30, além de se inspirar em Louis Armstrong, Sidney Bechet e em Sister Rosetta Tharpe, precursora do rock and roll que irá tornar célebre o uso da guitarra elétrica aliada ao fervor das canções gospel. Como nas abordagens anteriores, Byron amplia, amplifica e potencializa ainda mais os adereços do gospel ao uni-los com os adereços singulares e idiossincráticos seus e dos músicos da sua banda —— algo que ele adquiriu em suas incursões por searas mais avant-garde, por sinal... —— através de uma potente formação com a cantora DK Dyson, com o pianista Xavier Davis, com o contrabaixista Brad Jones, com o baterista Pheeroan akLaff e com participações especiais dos guitarristas Brandon Ross e Vernon Reid, do trompetista Ralph Alessi, do vocalista Dean Bowman e do saxofonista barítono JD Parran. Ademais, outro músico ligado ao avant-garde que também explorou a temática do gospel foi o diversificado pianista Matthew Shipp no álbum The Gospel According To Matthew & Michael (Relative Pitch Records, 2015), lançado com seu Chamber Ensemble, trio formado em parceria com o contrabaixista Michael Bisio e violista Mat Maneri. Neste álbum, Shipp e Bisio ficaram encarregados de elencar, dentro de uma abordagem freejazzística, resquícios de melodiosidades, tons, nuances e cores baseadas no gospel, dando luz à uma suite formada por 15 improvisações livres implicitamente espirituais, sem soarem sugestivos.
Irmã Gertrude Morgan: da igreja aos museus de arte, dos cânticos tradicionais aos remixes eletrônicos do DJ King Britt
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Outra figura emblemática da cultura gospel é Sister Gertrude Morgan, pregadora batista, cantora e pintora autodidata que se tornaria célebre em Nova Orleans a partir dos anos de 1940. Sister Gertrude Morgan se autodenominava "A Noiva de Cristo" e se tornou célebre por atuar sob várias vias de expressão: primeiro como líder comunitária e pregadora do Evangelho, ministério a partir do qual ela dizia ter várias revelações; depois como pintora amadora a partir de um estilo mui peculiar e primal, expressão a partir da qual ela pintou inúmeras das suas revelações, estórias e adereços do seu cotidiano; e depois com seus spirituals e cânticos, os quais ela sempre entoava com um acompanhamento de pandeiro. No início da década de 1970 foi registrado um conjunto de gravações de campo chamado Let's Make A Record com a finalidade de documentar a Sister Gertrude Morgan entoando seus cânticos espirituais. As gravações foram fomentadas através dos nobres incentivos do Smithsonian Institute, instituição de educação e pesquisa cultural do governo americano, sendo posteriormente adquiridas e lançadas em disco por selos como o True Believer Records e Preservation Hall. Em 2005, a Ropeadope Records tanto lançou uma versão remasterizada desse material arquivado como também deu aval para que o DJ King Britt —— um dos DJ's mais criativos da música eletrônica americana, educador adepto do jazz e da soul music, frequente parceiro do baterista Tyshawn Sorey e outros músicos, e etc... —— apresentasse uma versão remixada dessas gravações, empreitada que o DJ realizou com muita maestria adicionando samplers, harmonizações, batidas e efeitos contemporâneos aos cânticos originais acappella de Sister Gertrude Morgan. Ambos os álbuns, tanto a versão remasterizada de Let's Make A Record como a versão com remixes eletrônicos King Britt presents Sister Gertrude Morgan, foram concebidos em LP's com encartes de luxo composto por fotos e pinturas da Irmã Gertrude, trazendo à luz da contemporaneidade a vida e a arte dessa figura popular que se tornou uma verdadeira lenda do gospel —— e da cultura americana, como um todo. Algumas faixas deste disco de King Britt foram, inclusive, usadas na trilha sonora do filme Miami Vice (2006) de Michael Mann, e foram incluídas no álbum de compilações Live Without Dead Time da AdBusters e nas vinhetas do programa True Blood da HBO. Do mesmo modo, as coloridas pinturas da Irmã Gertrude atualmente são amplamente reconhecidas pela crítica especializada e frequentemente expostas em vários museus, galerias e mostras do Smithsonian Institute, sendo consideradas objetos de estudo e verdadeiras obras de arte do gênero da pintura popular. Figura mítica e cativante!
Keith Jarrett: dentro da sua bagagem repleta de standards, pop songs e temas clássicos, o gospel também foi basilar
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James Brandon Lewis - For Mahalia, With Love: um álbum duplo com seu quinteto de jazz e com o Lutosławski Quartet
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Em 2023 é o saxofonista James Brandon Lewis , uma das figuras em ascensão no jazz contemporâneo, quem resgatará novamente o espírito da grande cantora Mahalia Jackson, ícone gospel que praticamente uniu toda a nação americana através da sua voz potente e angelical. Estando à frente do seu Red Lily Quintet —— com o cornetista Kirk Knuffke, o contrabaixista William Parker, o baterista Chad Taylor e o violoncelista Chris Hoffman ——, JB Lewis concebe, então, o ótimo For Mahalia, With Love, álbum-projeto que é praticamente uma sequência conceitual em relação ao seu anterior Jesup Wagon, que resgatou a figura do mestre afro-americano da botânica, agronomia e agricultura George Washington Carver. JB Lewis deixa claro, inclusive, que esse fascínio por Mahalia Jackson é mais do que uma simples predileção pessoal: criado no gospel, o saxofonista conta que tem muitas das canções de Mahalia em suas memórias, canções que ele ouvia tocar constantemente na vitrola da sua avó, quando criança. O saxofonista relata o propósito: "...much more than a tribute, this work is “really a three-way conversation between Mahalia, my grandmother and me". Atuando com esse seu quinteto sem piano, de sonoridade crua e compacta, o desafio do músico e sua banda foi dar um caráter jazzístico contemporâneo para esse tipo de repertório de verve melódico-cancionista, desafio que é cumprido através de variados improvisos e cruas inflexões em torno das linhas melódicas dos cânticos e hinos espirituais característicos desse repertório, por vezes transitando num limiar entre o arranjo pré elaborado e o improviso livre. Interessante notar, aliás, que essa inspiração no repertório de Mahalia Jackson também faz com que JB Lewis caminhe diretamente para uma diretriz similar ao spiritual jazz sessentista de John Coltrane e Albert Ayler, mas essa conexão acontece de forma um tanto contemporânea, diluída e amalgamada com outras diretrizes criativas, abordando arranjos de cordas, composição erudita, polirritmias freejazzísticas e nuances as quais lembram, por vezes, aquele pan-africanismo latente nas abordagens da AACM, algo que fica evidente nessa comunhão entre os sopros de sax e corneta, as quentes paletas do cello de Chris Hoffman e do contrabaixo de William Parker e a percussão riquíssima de Chad Taylor, que é uma celebrada figura da Chicago Scene.
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| LUTOSŁAWSKI QUARTET |
Para concluir o projeto com chave de ouro, James Brandon Lewis ainda compôs uma admirável suíte erudita chamada "These Are Soulful Days", sua primeira composição para a formação de saxofone com quarteto de cordas. James Brandon Lewis gravou e estreou publicamente essa sua engenhosa peça junto ao renomado Lutosławski Quartet no Jazztopad Festival, em Wrocław, Polônia. A obra compõe todo o espaço do segundo CD ou segundo LP do álbum duplo. Porém, apenas quem comprar o CD ou LP no formato físico terá acesso a essa segunda parte do álbum com essa peça. Ou seja, o primeiro CD/ LP é composto de releituras e improvisos com o quinteto de jazz, enquanto o segundo CD/ LP é constituído dessa extensa peça erudita escrita para saxofone em interação com quarteto de cordas. Essa concepção de álbum é interessante porque evidencia uma conexão progressiva entre a fonte de influência na qual o saxofonista se inspirou, nesse caso em torno da poética gospel do repertório de Mahalia Jackson, e a inventividade de uma obra inédita escrita para um formato não-jazzístico como esse seu quinteto de sax e cordas. Essa faceta tem sido recorrente e mostra que os músicos do jazz contemporâneos não se vêem e não querem serem vistos apenas como improvisadores, mas também como compositores com uma visão pós-moderna que os capacitam a transpor para a pauta musical suas influencias e idiossincrasias e criar, com toda essa bagagem, engenhosas peças de escrita erudita. Essa concepção tem sido reiteradamente explorada pelos grandes músicos e compositores de jazz dos últimos tempos: vários músicos seguem lançado álbuns onde há peças e improvisos jazzísticos no lado A conectando-se com engenhosas criações em escrita erudita para quartetos de cordas ou outros ensembles no lado B. Ouçam!
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